Могучая кучка

Могучая кучка

«Могучая кучка» — творческое содружество русских композиторов, сложившееся в конце 50 — начале 60-х гг. 19 века. Известно также под названием «Новая русская музыкальная школа», Балакиревский кружок. В «Могучую кучку» входили М. А. Балакирев, А. П. Бородин,Ц. А. Кюи, М. П. Мусоргский, Н. А. Римский-Корсаков. Временно примыкали к ней А. С. Гуссаковский, H. H. Лодыженский, Н. В. Щербачёв, отошедшие впоследствии от композиторской деятельности. Источником образного наименования послужила статья В. В. Стасова «Славянский концерт г. Балакирева» (по поводу концерта под управлением Балакирева в честь славянских делегаций на Всероссийской этнографической выставке в 1867), которая заканчивалась пожеланием, чтобы славянские гости «навсегда сохранили воспоминания о том, сколько поэзии, чувства, таланта и умения есть у маленькой, но уже могучей кучки русских музыкантов». Понятие «Новая русская музыкальная школа» было выдвинуто самими членами «Могучей кучки», считавшими себя последователями и продолжателями дела старших мастеров русской музыки — М. И. Глинки и А. С. Даргомыжского. Во Франции принято название «Пятёрка» или «Группа пяти» («Groupe des Cinq») по числу основных представителей «Могучей кучки».

«Могучая кучка» — одно из вольных содружеств, которые возникали в пору демократического подъёма 60-х гг. 19 в. в различных областях русской художественной культуры с целью взаимной поддержки и борьбы за прогрессивные общественные и эстетические идеалы (литературный кружок журнала «Современник», «Артель художников», «Товарищество передвижных художественных выставок»). Подобно «Артели художников» в изобразительном искусстве, противопоставившей себя официальному курсу Академии художеств, «Могучая кучка» решительно выступала против косной академической рутины, отрыва от жизни и пренебрежения современным требованиями, возглавив передовое национальное направление в русской музыке. «Могучая кучка» объединила наиболее талантливых композиторов молодого поколения, выдвинувшихся в конце 50 — начале 60-х гг., за исключением П. И. Чайковского, который не входил ни в какие группы. Руководящее положение в «Могучей кучке» принадлежало Балакиреву (отсюда — Балакиревский кружок). Тесно связан с ней был Стасов, сыгравший важную роль в выработке общих идейно-эстетических позиций «Могучей кучки», в формировании и пропаганде творчества отдельных её членов. С 1864 систематически выступал в печати Кюи, музыкально-критическая деятельность которого во многом отражала взгляды и тенденции, присущие всей «Могучей кучке». Её позиции находят отражение и в печатных выступлениях Бородина, Римского-Корсакова. Центром музыкально-просветительской деятельности «Могучей кучки» явилась Бесплатная музыкальная школа (создана в 1862 по инициативе Балакирева и Г. Я. Ломакина), в концертах которой исполнялись произведения членов «Могучей кучки» и близких ей по направлению русских и зарубежных композиторов.

Основополагающими принципами для композиторов-«кучкистов» были народность и национальность. Тематика их творчества связана преимущественно с образами народной жизни, исторического прошлого России, народного эпоса и сказки, древними языческими верованиями и обрядами. Мусоргский, наиболее радикальный из членов «Могучей кучки» по своим художественным убеждениям, с огромной силой воплотил в музыке образы народа, многие его произведения отличаются открыто выраженной социально-критической направленностью. Народно-освободительные идеи 60-х гг. получили отражение в творчестве и др. композиторов этой группы (увертюра «1000 лет» Балакирева, написанная под впечатлением статьи А. И. Герцена «Исполин просыпается»; «Песня тёмного леса» Бородина; сцена веча в опере «Псковитянка» Римского-Корсакова). Вместе с тем у них проявлялась тенденция к известной романтизации национального прошлого. В древних, исконных началах народной жизни и мировоззрения они стремились найти опору для утверждения позитивного нравственного и эстетического идеала.

Одним из важнейших источников творчества служила для композиторов «Могучей кучки» народная песня. Их внимание привлекала главным образом старинная традиционная крестьянская песня, в которой они усматривали выражение коренных основ национального музыкального мышления. Характерные для «кучкистов» принципы обработки народных песенных мелодий нашли отражение в сборнике Балакирева «40 русских народных песен» (составлен Балакиревым на основе собственных записей, сделанных во время поездки по Волге с поэтом Н. В. Щербиной в 1860). Много внимания уделял собиранию и обработке народных песен Римский-Корсаков. Народная песня получила разнообразное преломление в оперном и симфоническом творчестве композиторов «Могучей кучки». Они проявляли также интерес к фольклору других народов, особенно восточных. Вслед за Глинкой «кучкисты» широко разрабатывали в своих произведениях интонации и ритмы народов Востока и тем самым способствовали возникновению у этих народов собственных национальных композиторских школ.

В поисках правдивой интонационной выразительности «кучкисты» опирались на достижения Даргомыжского в области реалистической вокальной декламации. Особенно высоко оценивалась ими опера «Каменный гость», в которой наиболее полно и последовательно осуществлено стремление композитора к воплощению слова в музыке («Хочу, чтобы звук прямо выражал слово»). Они считали это произведение, наряду с операми Глинки, основой русской оперной классики.

Творческая деятельность «Могучей кучки» — важнейший исторический этап в развитии русской музыки. Опираясь на традиции Глинки и Даргомыжского, композиторы-«кучкисты» обогатили её новыми завоеваниями, особенно в оперном, симфоническом и камерном вокальном жанрах. Такие произведения, как «Борис Годунов» и «Хованщина» Мусоргского, «Князь Игорь» Бородина, «Снегурочка» и «Садко» Римского-Корсакова, принадлежат к вершинам русской оперной классики. Общие их черты — национальная характерность, реалистичность образов, широкий размах и важное драматургическое значение народно-массовых сцен. Стремление к живописной яркости, конкретности образов присуще и симфоническому творчеству композиторов «Могучей кучки», отсюда большая роль в нём программно-изобразительных и жанровых элементов. Бородин и Балакирев явились создателями руссокого национально-эпического симфонизма. Римский-Корсаков был непревзойдённым мастером оркестрового колорита, в его симфонических произведениях преобладает картинно-живописное начало. В камерном вокальном творчестве «кучкистов» тонкий психологизм и поэтическая одухотворённость сочетаются с острой жанровой характерностью, драматизмом и эпической широтой. Менее значительное место в их творчестве занимают камерные инструментальные жанры. В этой области произведения выдающейся художественной ценности были созданы только Бородиным, автором двух струнных квартетов и фортепианного квинтета. Уникальное место в фортепианной литературе по оригинальности замысла и колористическому своеобразию занимают «Исламей» Балакирева и «Картинки с выставки» Мусоргского.

В своей новаторской устремлённости «Могучая кучка» сближалась с передовыми представителями западно-европейского музыкального романтизма — Р. Шуманом, Г. Берлиозом, Ф. Листом. Высоко ценили композиторы-«кучкисты» творчество Л. Бетховена, которого они считали родоначальником всей новой музыки. Вместе с тем в их отношении к музыкальному наследию добетховенского периода, а также к ряду явлений современного им зарубежного исккусства (итальянская опера, Р. Вагнер и др.) проявились черты одностороннего негативизма и предвзятости. В пылу полемики и борьбы за утверждение своих идей ими высказывались иногда слишком категорические и недостаточно обоснованные отрицательные суждения.

В русской музыкальной жизни 60-х гг. «Могучей кучке» противостояло академическое направление, центрами которого были РМО и Петербургская консерватория во главе с А. Г. Рубинштейном. Этот антагонизм был до известной степени аналогичен борьбе веймарской школы и лейпцигской школы в немецкой музыке середины 19 в. Справедливо критикуя «консерваторов» за чрезмерный традиционализм и проявлявшееся ими порой непонимание национально-своеобразных путей развития русской музыки, деятели «Могучей кучки» недооценивали значения систематического профессионального музыкального образования. С течением времени острота противоречий между этими двумя группировками смягчалась, они сближались по ряду вопросов. Так, Римский-Корсаков в 1871 вошёл в состав профессоров Петербургской консерватории.

К середине 70-х гг. «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать. Отчасти это было вызвано тяжёлым душевным кризисом Балакирева и его отходом от активного участия в музыкальной жизни. Но главная причина распада «Могучей кучки» — во внутренних творческих расхождениях. Балакирев и Мусоргский неодобрительно отнеслись к педагогической деятельности Римского-Корсакова в Петербургской консерватории и рассматривали это как сдачу принципиальных позиций. С ещё большей остротой проявились назревшие в «Могучей кучке» расхождения в связи с поставленной в 1874 в Мариинском театре оперы «Борис Годунов», оценка которой членами кружка оказалась не единодушной. Бородин видел в распаде «Могучей кучки» проявление естественного процесса творческого самоопределения и нахождения своего индивидуального пути каждым из входивших в её состав композиторов. «...Так всегда бывает во всех отраслях человеческой деятельности, — писал он в 1876 певице Л. И. Кармалиной. — По мере развития деятельности индивидуальность начинает брать перевес над школою, над тем, что человек унаследовал от других». Одновременно он подчёркивал, что «общий склад музыкальный, общий пошиб, свойственный кружку, остались». «Кучкизм» как направление продолжал развиваться и далее. Эстетические принципы и творчество «Могучей кучки» оказали влияние на многих русских композиторов более молодого поколения. С «Могучей кучкой» преемственно связан Беляевский кружок, который, однако, не обладал присущим ей боевым новаторским запалом и не имел определённой идейно-художественной платформы.

Романтический идеал и его воплощение в музыке.

Романтический идеал и его воплощение в музыке.

Романтическое музыкальное искусство – явление масштабное, сложное и противоречивое. Оно объединило в себе и реакционные, и прогрессивные, сближающиеся с реализмом направления, множество различных по своим эстетическим, стилистическим, жанровым и интонационным установкам национальных школ и индивидуальных стилей.

Заявив о себе на рубеже XVIII - XIX веков, романтизм – в том числе и музыкальный – прошёл длительный путь развития вплоть до конца     XIX века, нередко сочетая в себе во многом противоположные эстетические взгляды.

Романтическое видение мира в искусстве было подготовлено множеством обстоятельств. Важнейшая его общественно-историческая предпосылка – реакция на  результаты французской буржуазной революции, разочарование в идеалах братства и единения народов, в идеалах всеобщего, всечеловеческого счастья. Рациональные, ясные, логичные и оптимистические установки Просвещения уже не соответствовали атмосфере сумрачности и подавленности, ознаменовавшей собой рубеж XVIII - XIX вв.

Ранее всего романтические веяния возникли в литературных школах Германии (иенская школа) и Англии в конце XVIII в. В живописи на рубеже веков романтические тенденции окрашивают творчество французских живописцев – Жерико и Делакруа и немецких мастеров – Ф. О. Рунге,   К. Д. Фридриха. В литературе и живописи романтическое направление к середине XIX в. в основном себя исчерпало. В музыке же романтизму была уготована гораздо более продолжительная жизнь.

В 20-х г. XIX в. романтические установки начинают складываться в творчестве Э. Т. А. Гофмана, К. М. Вебера, Ф. Шуберта.

30-е – 50-е гг. – пора творческой зрелости музыкального романтизма, отмеченная творчеством Р. Шумана, Ф. Шопена, Г. Берлиоза, Ф. Листа. Наиболее сложным и неоднозначным был поздний этап развития романтической музыки, связанный с именами Р. Вагнера, И. Брамса, Ф. Листа,      А. Брукнера, Г. Малера и представляющий собой синтез реалистических, классических и романтических черт. 90-е г. стали вершиной романтического музыкального искусства в Финляндии, Норвегии – в творчестве Я. Сибелиуса, и Э. Грига. Исключительно своеобразный облик имел итальянский романтизм, неразрывно связанный с реалистическими установками в творчестве Дж. Верди, Дж. Пуччини, П. Масканьи.

При всём богатстве и неповторимости индивидуальных и национальных стилей и направлений, романтическое музыкальное искусство внутри себя содержало достаточно чёткую эстетическую и образную систему.

Хронологическая связь с эпохой Просвещения и в то же время осознание музыкального романтизма как реакции на неё сформировали совершенно особое, неоднозначное к ней отношение. В других видах искусства также складывалась подобная ситуация. Поэты «озёрной» школы Англии – Вордсворт, Колридж – резко критиковали идеи Просвещения и классицистскую эстетику и образность, Шелли и Байрон – поддерживали традицию революционности, гражданственной направленности искусства.

 Своего рода связующим звеном между классицизмом и романтизмом в Германии стало движение «Бури и натиска», творчество Грильпарцера, Фр. Гельдерлинга. Немецкое музыкальное романтическое искусство особо прочно было связано с классическим наследием.

Однако своеобразием связи с предшествующей художественной традицией специфика музыкального романтизма отнюдь не исчерпывается.

Исключительно своеобразна картина мира в представлении романтиков и место человека в ней. На смену цельному, оптимистическому миропониманию, на смену единой всечеловеческой идее приходит мир, расколотый на две противоположные друг другу сферы. Одна из них – жестокий, грубый, непонимающий и отвергающий человека мир. Вторая – мир сказки, грёзы, волшебной фанатастики, воплощение идеализированной мечты.

Резкая дифференциация ранее единой картины мира была обусловлена – с одной стороны, - и повлекла за собой – с другой стороны – возникновение абсолютно новой трактовки образа человека. Герой, борец за счастье всего человечества, титан, в своей борьбе претерпевает жесточайшее поражение. Его сменяет маленький человек – один из многих, вынужденный жить в мире реальном, но грезящий об идеальном мире. Принцип двоемирия обусловливает специфику мировоззрения романтических музыкантов и во многом их музыкальный язык. В то же время в романтическом музыкальном искусстве формируется и иной тип героя – исключительная личность, глубоко и трагично воспринимающая мир. В творчестве многих романтиков нашли отражение и революционные идеи эпохи, связанные с процессами национально-освободительного движения в странах Европы (творчество Шопена, Листа, Берлиоза).

Исключительное внимание романтиков к субъективному началу, к лирической образности, к полноте раскрытия человеческой индивидуальности (по сравнению с господствующей объективностью классицизма) стало причиной радикальных изменений в трактовке жанров, тематике и музыкальном языке. Сущностной составляющей образного мира романтиков была природа – в её многообразии и величии.

Как антитеза чистой инструментальной музыке в творчестве романтиков возникает стремление к синтезу искусств. Формируются новые музыкальные жанры, опирающиеся на теснейшую связь музыки и литературы. Это – поэма, баллада, листок из альбома. В сферу музыкального творчества проникают литературные приёмы изложения, сюжетность.

Следствием синтезирования музыки и поэзии явилась такая специфическая черта музыкального романтизма как программность Она нашла отражение в литературных программах музыкальных произведений – подзаголовках, а также в создании самими композиторами литературных сценариев произведений. Тем самым нередко музыкальные творения романтиков имели двойственную сущность – собственно музыкальную и вербальную, два плана функционирования произведения. Подобные литературные программы были нередко необходимы и для пояснения столь необычных романтических музыкальных образов.

Внимание романтиков к жанрам вокальной музыки также являет собой одно из проявлений связи литературы и музыки в романтическом искусстве. Вокальное звучание идеально соответствовало субъективной направленности романтизма. Интонационной основой музыки романтиков становятся глубоко лирические песенные интонации, обусловливающие специфику вокальной лирики, и проникающие и в симфоническую, и в фортепианную музыку. В связи с этим формируются так называемый песенный симфонизм Шуберта, новый фортепианный жанр в творчестве      Ф. Мендельсона-Бартольди – песня без слов.

Песенность, вокальность романтической музыки была связана и с глубоким интересом романтиков к исторической – легендарно-сказочной тематике и к фольклору, но в идеализированно – патриархальном преломлении. Это можно расценивать и как попытку обрести жизненный идеал в прошлом, не найдя его в настоящем. Фольклор в романтической музыке нередко обретал и поэтизированный облик. Впервые в истории мирового музыкального искусства народные танцы – полонез, краковяк, мазурка, камаринская – в творчестве Шопена, Глинки, соединяясь с интонациями народных песен, становятся основой музыкальных произведений.

Одно из основополагающих качеств музыкального романтизма – исключительная индивидуализированность музыкальных стилей. Это повлекло за собой множественность индивидуальных трактовок жанров, в том числе и тех, которые ранее были почти каноническими – симфонии и сонаты. 4-х частный симфонический цикл, в опоре на песенную мелодику и импровизационность выражения и изложения музыкальных – лирических – образов, переосмысливается в масштабное симфоническое произведение с количеством частей, зависящим от конкретного замысла автора – от 2-х в «Неоконченной» симфонии Шуберта до 5-ти  в «Фантастической» симфонии Берлиоза. Сонатный жанр опирается на свободное, фантазийное изложение музыкального тематизма и трансформируется в жанр сонаты-фантазии (в творчестве Ф. Листа). Однако классический вариант и сонатного, и симфонического жанров в романтической музыке сохраняется (симфоническое творчество И. Брамса). Формируется и совершенно новый жанр симфонической музыки – одночастная симфоническая программная поэма.

Индивидуализированное, личностное видение мира повлекло за собой возникновение новых музыкальных жанров. В единении с тенденцией развития домашнего музицирования, камерного исполнительства, не рассчитанного на массовую аудиторию и совершенную исполнительскую технику, это вызвало к жизни появление жанра фортепианной миниатюры – экспромты, музыкальные моменты, ноктюрны, прелюдии, множество танцевальных жанров, ранее не фигурировавших в профессиональной музыке. Достоянием музыкального языка романтизма, наряду с песенностью, стало огромное внимание к красочности, колористичности (что повлекло за собой изменения в трактовке аккорда и тональных соотношений).

Музыка барроко

Музыка барокко

Слово "барокко" пришло из португальского языка и означает "жемчужина неправильной формы", с итальянского языка это слово переводится как странный, причудливый. Какими бы ни были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западноевропейской цивилизации.

Эпоха Барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна была быть неестественно бледной, с вычурной прической, в тугом корсете и с огромной юбкой, а мужчина - в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен. 

В эпоху Барокко произошел взрыв новых стилей и технологий в музыке. Дальнейшее ослабление политического контроля католической церкви в Европе, которое началось в эпоху Возрождения, позволило процветать светской музыке.

Вокальная музыка, которая преобладала в эпоху Ренессанса, постепенно вытеснялась инструментальной музыкой. Понимание, что музыкальные инструменты должны объединяться неким стандартным образом, привело к возникновению первых оркестров.

Один из самых важных типов инструментальной музыки, который появился в эпоху Барокко был концерт. Изначально концерт появился в церковной музыке в конце эпохи Возрождения и, вероятно, это слово имело значение "контрастировать" или "бороться", но в эпоху Барокко он утвердил свои позиции и стал самым важным типом инструментальной музыки.

Двумя из самых великих композиторов концертов того времени были Корелли и Вивальди, их творчесво пришлось на конец эпохи Барокко и они установили и упрочили концерт как способ продемонстрировать всё мастерство солиста. 

В начале эпохи  Барокко, приблизительно в 1600 году, в Италии композиторами Кавальери и Монтеверди были написаны первые оперы,  сразу получившие признание и вошедшие в моду. Основой для первых опер были сюжеты древнегреческой и римской мифологии.

Будучи драматической художественной формой, опера поощряла композиторов воплощать новые способы иллюстрировать эмоции и чувства в музыке, фактически, воздействие на эмоции слушателя стало главной целью в произведениях этого периода.

Опера распространилась во Франции и Англии благодаря великим работам композиторов Рамо, Генделя и Перселла.
В Англии была также развита оратория, которая отличается от оперы отсутствием сценического действия, оратории часто основаны на религиозных текстах и историях. "Мессия" Генделя - показательный пример оратории.

В Германии опера не завоевала такой популярности, как в других странах, немецкие композиторы продолжали писать музыку для церкви.

Иоганн Себастьян Бах, величайший гений в истории музыки, жил и творил в эпоху Барокко. Его подход к музыке открыл безграничные возможности создания произведений.

Основным инструментом той эпохи был клавесин - предшественник фортепиано.

Многие важные формы классической музыки берут свои истоки в эпохе Барокко - концерт, соната, опера.

Барокко была эпохой, когда идеи о том, какой должна быть музыка, обрели свою форму, эти музыкальные формы не потеряли актуальности и на сегодняшний день.

Великие работы эпохи Барокко:

Гендель "Музыка на воде"
Бах "Бранденбургские концерты и Кантаты"
Вивальди "Четыре Сезона"
Пёрселл "Дидона и Эней"
Монтеверди "Орфей"

Музыка эпохи Возрождения

Музыка эпохи Возрождения

Следующий этап в развитии европейской музыкальной традиции – эпоха Возрождения, или Ренессанса, которая длилась на протяжении 14-16 веков. Это знаменательный период для развития европейской культуры в целом. Музыка в период Возрождения стала полноправным видом искусства, со своими течениями, законами развития и национальными особенностями.

Возрождение началось в Италии, поэтому на период 14 века пришелся апогей развития итальянской музыки. В 15 веке Ренессанс завоевал Голландию, а потом и всю Европу: Францию и вслед за ней Англию и Германию.

Орган и виола

От эпохи Средневековья культура Возрождения унаследовала свой главный музыкальный инструмент – орган. К нему постепенно добавляются и множество других струнных и духовых инструментов.
 

Орган
 

Именно в эпоху Ренессанса появилась виола – представитель струнного смычкового семейства с равным количеством основных и резонирующих струн. Она дает бархатистое звучание и чаще всего солирует. В оркестре виола практически не использовалась из-за сложностей в настройке. Именно виола, по всей видимости, является предшественницей скрипки, альта, виолончели и других скрипичных инструментов.
 

Виола

Лютня

Второй тип музыкальных инструментов, распространенных в эпоху Возрождения – это щипковые. Среди них выделяется лютня, название которой произошло либо от польского слова lutnia, либо от арабского альуд‎‎, что означает дерево. Для лютни характерны небольшие размеры, полусферическая форма нижней части и плоская верхняя часть. Шейка довольно широкая, с отогнутой под прямым углом головкой. У нее десять пар струн и два способа извлечения звука: при помощи пальцев либо специальной пластины, медиатора.
 

Лютня
 

Лютня имеет восточные корни и в Европе появилась только в 15 веке, быстро став одним из самых популярных инструментов. Специально под нее создавался отдельный репертуар, в который входили не только инструментальные мелодии, но и песни.

Клавесин и другие клавишные инструменты Возрождения

Клавесин
 

Третье семейство музыкальных инструментов, зародившееся в эпоху Ренессанса, – клавишные.Прототипом их был орган, у которого клавиши заменили широкие и неудобные рычаги. Вслед за органом появились и другие инструменты, звук из которых извлекается при помощи клавиш. Это клавесин, чембало, верджинел, клавикорд, спинет, мюзелар… Возрождение дало им путевку в жизнь, а вот период их наибольшего расцвета придется уже на эпоху Барокко.

Книжная миниатюра

Книжная миниатюра 

Книжная миниатюра является важной отраслью византийского искусства. В идейном, стилистическом и сюжетном плане она прошла те же этапы развития, что и монументальная живопись и иконопись. Византия унаследовала от античности особую любовь к книге. До IX в. в империи господствовало унциальное письмо с крупными буквами, оно употреблялось для создания роскошных кодексов. С XI в. был введен минускул, малое письмо, созданное на основе курсива и пригодное для деловых документов и писем. В XI-XII вв. господствует смешанный минускул, соединявший красоту и элегантность с практичностью. Книжный кодекс Византии, как правило, является произведением искусства, где гармонически сочеталось каллиграфический почерк, миниатюры, заставки и инициалы букв. Тщательно продумывался и формат кодекса, художественная отделка, переплета, цвет пергамента или бумаги. Бумага проникла в Византию от арабов в X-XI вв., но долгое время при изготовлении книжных кодексов применялись оба писчих материала: и пергамент и бумага. Византийское письмо было более унифицировано чем на Западе. Распространение грамотности в Константинополе и в других городах Византии поражало крестоносцев. Во всей византийской литературе, герои умеют читать и писать. Для письма применяется тростниковые перья или перья птиц. Чернила изготавливали из смеси сажи и камеди или сока различных растений. В живописи сохранились изображения книг в виде свитков и кодексов.

XI век был периодом необычайного взлета книжной иллюстрации. Центром создания поистине великолепных кодексов стал императорский скрипторий в Константинополе. Здесь заказу императоров создавались настоящие шедевры книжной миниатюры. К их числу относятся рукопись «Слов»Иоанна Златоуста, выполненная для императора Никифора Вотаниата (1078-1081). На одной из миниатюр изображен сам Никифор Вотаниан в пышном императорском облачении, в лице его проступают восточные (армянские) черты, что говорит о портретном сходстве, схваченном художником. Другой жемчужиной искусства столичных мастеров миниатюристов является датируемая 1072 г. рукопись Нового Завета, созданная для императора Михаила II Дуки. Крохотный по размерам кодекс, украшенный изысканной живописью, изящными заставками и инициалами, - подлинный шедевр книжного искусства. В ряд с этими шедеврами можно поставить Псалтирь XI в. из Публичной библиотеки в Санкт-Петербурге, созданную между 1074-1081 гг. для одного из византийских императоров.

От XII в. сохранилось также достаточно большое число памятников византийской миниатюры, ныне они хранятся в библиотеках многих европейских стран, в том числе и в нашей стране. Среди них выделяется рукопись сочинений Монаха Якова (XII в.) с прекрасными миниатюрами. Высокое художественные качества и исключительное мастерство создателей этих памятников выдвигают их на видное место среди произведений книжной миниатюры средневековья.

Гигантизм архитектурных форм.

Гигантизм архитектурных форм.

Алтарь 3евса в Пергаме 

Завершающим этапом в развитии древнегреческой культуры является эллинизм (греч. нellenes – уподобляться эллинам). Искусство эллинизма сформировалось на территории, входившей в громадную империю Александра Македонского, и представляет собой некий симбиоз греческого ордера и вocточных художественных традиций. Культурными центрами эллинистического мира стали Александрия в Египте, Антиохия в Сирии, Пергам в Малой Азии, остров Родос в Греции. Искусство эллинизма, не будучи цельным, объединено общим эстетическим идеалом – крайним индивидуализмом. вepoятно, поэтому ключевым мифом эпохи стал миф о Нарциссе.

Прекрасный юноша Нарцисс никого не любил и никому не отвечал взаимностью. Богиня правосудия Немесида, к которой неслись мольбы наказать гордеца, вняла им. Однажды, увидев свое отражение в ручье. Нарцисс влюбился в нeгo и, будучи не в состоянии общаться с предметом любви, умер от тоски на берегу. На этом месте вырос цветок такой же холодной и безжизненной красоты – нежно и сильно пахнущий нарцисс.

Миф в художественных формах отобразил новую эстетику: соразмерность, гармонию и спокойную волевую целеустремленность классики сменили декоративность, эмоциональное напряжение и патетика. 

Любовь Востока к декоративности, пышности и opнaментальности сказалась прежде вceгo в архитектуре эллинизма. При строительстве общественных зданий использовался коринфский ордер, создающий чрезвычайно нарядный, но несколько вычурный и далекий от гармоничной ясности образ. Пропорции коринфского ордера повторяют ионические, но с более высокой капителью, напоминающей связку цвeтов с волютами-тычинками, перехваченную снизу пояском*. Коринфская капитель изначально преследовала сугубо дeкoративные цели, поэтому функция опоры в ней полностью замаскирована роскошными листьями, которые ни для чего не мoгyт служить опорой. 

Невероятно помпезный, пышный облик зданию придавал так называемый Большой коринфский ордер, в котором колонны по высоте равны двум этажам здания, дocтигая почти 18 м. Новый ордер походил на болезненную фантазию, но фантазию изящества и вкуса. Ее усугубляла отделка из различных пород цветного мрамора, поскольку живописная игра светотени на мраморе одного цвета стала казаться недостаточно декоративной. Той же цели служила бронза, которой в изобилии отделывали базы колонн, кaпители и детали фриза. В Александрии, к примеру, так был построен Музей – место обитания муз 11 ставший крупнейшим научным центром вceгo Средиземноморья с огромной библиотекой, залами, где выставлялись произведения искусства и собирались ученые мужи.

Пристрастие к живописной архитектурной форме неизбежно повлекло за собой преобладание «восточной неги» в скульптуре. Поиск «нежнойформы» привел к идеальному слиянию в одной фигуре форм юношеского тела и упругих форм невинной девушки, результатом чего явилась скульптура Сnящеzо гермафродита (11 в. до н. э.). Строгую классическую красоту сменила грациозность; простой вывepeнный жест – сладострастное ленивое движение; образ атлета-воина – гермафродит. Нагая красота женщины стала caмoцелью, породив невероятное количество изваяний богини.

* Согласно легенде, коринфский мастер Каллимах, проходя мимо кладбища. увидел на гробнице забытую корзинку, увитую молодыми побегами аканфа. Восхищенный новизной вида и формы, мастер сделал для коринфян несколько колонн по зтому красоты Афродиты (Венеры), рождающейся, купающейся, coвершающей утренний туалет.образцу и определил их соразмерность.

В образе Веnеры Мелосской (11 в. до н. э.), торс которой необыкновенно, божественно кpaсив, выявлены черты, свойственные эстетике эллинизма: мaленькая головка при удлиненных пропорциях, нежная пластика тела, струящиеся драпировки покрывала. Все изящно, мягко, уравновешенно.
Но наряду с такой трактовкой образа существовала и дpyгая. Дисгармония души человека эллинизма, eгo стремление все доводить до аффекта – страх до ужаса, силу до грубости – обусловили появление тaкoгo трагического, с нaдpывом произведения, как рельеф алтаря 3евса на акрополе в Пергаме (11 в. до н. э.). 

Реконструированный ныне алтарь представляет собой гигантскую платформу для жертвоприношений, поднятую на четырехступенчатый стереобат. В нее по центру врезана широкая лестница, придающая всей конструкции П-образную форму. Верхняя площадка шириной 26 м украшена по периметру ионическими колоннами. Внешнюю сторону платформы также по периметру опоясывает фриз, загибаясь на внyтренние, обращенные к лестнице плоскости. Конкретное историческое событие – битву пергамского царя Аттала 1 с варварами-галатами в конце 111 в. до н. э. – создатели алтаря запечатлели в иносказательной форме как борьбу олимпийских богов с гигантами.


Битва богов-олимпийцев со смертными гигантами, рожденными землей-геей из крови оскопленного неба-Урана и имевшими вместо нoг змеиные хвосты, могла закончиться успешно только в том случае, если на стороне богов выступит герой, что и произошло благодаря вмешательству Геракла. 

Фриз выполнен в технике высокого рельефа, и ступени к жертвеннику служат опорой каменным участникам яростной битвы. Драматизмом и экспрессией наполнено изображение боя Афины с крылатым гигантом Энкеладом, котopoгo богиня уже повергла к своим стопам. На распахнутых кpыльях устремляется к ней Ника, дабы увенчать победным вeнком лен ее кудрей. Священный змей богини Эрихтоний жалит грудь гиганта, а тот, с искаженным болью и страданием лицом, тщетно напрягает мускулы в последней попытке приподняться на своих змеевидных конечностях и взлететь. Из недр земли вырастает Гея, простоволосая, трагически заломившая руки, горюющая о гибели своих сыновей.

НЕРЕЙ, ДОР. Океан. Фриз алтаря Зевса в Пергаме. XI в. до н. э. Uocyдapcтвeнныe музеи. Берлин

Афина и Энкелад. Фриз алтаря Зевса в Пергаме. XI в. до н. э. государственные музеи. Берлин

Для пергамской школы, как и для всей греческой скульптуры эпохи эллинизма, характерно изображение острых чувств – умирания и боли, ужаса и отчаяния – и эффектных поз. Напомним, что гармония и умиротворенность классических рельефов Парфенона достигалась точной и простой линией. В пластике эллинизма, которая заставляет почти физически ощутить страдание и смерть, использовались coвсем другие приемы. Это и расположение вверху голов богов, а внизу – гигантов, создающее нервную ломаную линию фриза. Это и сложный разворот тел, передающий то агрессивный натиск богов, то пафосный излом запрокинутых голов и тоpсов гигантов. Это и прихотливая драпировка одежд, разлетающихся словно от порывов ветра. Это и резкие контрасты свeта и тени, усиливающие тревожность. Это и гигантские мacштабы фигур, подавляющи и угнетающие зрителя. 

Садово-парковое искусство Китая

Садово-парковое искусство Китая

Сад в Китае - это игра метаморфоз, бесконечная череда превращений, символизирующих собою многообразие и полноту жизни. Здесь часто встречается прием - уподобление камня облаку, это утверждало идею единства мира. Китайские пейзажисты изображали облака как горные ландшафты-миражи, а вершины гор - как низкие облака, этой же идеей руководствуются и при создании садов.

Особый раздел в искусстве работы с камнем составляло сооружение так называемых насыпных искусственных гор высотой более 3 м. Они складывались из отдельных блоков камней и обязательно ставились около водоемов, как символ древних представлений о Мировой Горе и Мировом Океане. Искусственные горы изобиловали пещерами и гротами - обителями небожителей, путешествующих между мирами (пещерами).

Характерные особенности садово-паркового искусства Китая:

- активное использование камня;

- обилие водных поверхностей:

- большое количество и продуманное размещение малых архитектурных форм;

- тщательный подбор декоративной растительности для создания определенного, заранее продуманного пейзажа;

- создание садов путем совершенствования эстетической доработки красивых уголков живой природы;

- подчеркивание наиболее выразительных точек зрения на пейзаже специальными проемами – проникающими окнами, беседками, воротами;

- включение симметричных групп зданий с осевым построением и обычно с внутренними дворами.

Роль камня в китайском саду. Камни - одна из составляющий садовых пейзажей. Правильно расположенный камень в саду вводит пространство сада в космический круговорот энергии.

Камень мог символизировать хозяина сада (уподобление себя простому обычному камню или изысканным яшме или нефриту – как стремление к самосовершенствованию).

В китайских садах подчеркивается внимание к мини-композициям. Внимание уделяется камням причудливой формы - они считаются воплощением жизненной силы космоса. Их делили на пять основных типов в соответствии с идеей пяти первоэлементов (огонь, вода, небо, земля, человек). Камни определенных форм (к примеру, относящиеся к стихии огня) оказывали влияние на окружающий энергетический баланс сада. Поэтому сочетание камней различной формы, как между собой, так и с архитектурными постройками и общим видом сада тщательно продумывалось. Различали дырчатые, ноздреватые, морщинистые, пористые и продолговатые, «наполовину вросшие в землю», «убегающие», «стремящиеся навстречу друг другу». Разнообразны и способы расстановки камней.

Принцип расстановки камней: «Большой камень и маленький связаны между собой, словно шахматные фигуры на доске. Маленькие камни возле воды подобны стайке детей, охвативших расставленными руками гору-маму. В горах большой камень будто ведет детей. В этом и состоит родство между камнями...». Камни в китайском пейзаже и в саду представлялись «живыми».

Особенно ценились в камнях три свойства: «проницаемость», позволяющая ощутить их толщу; «худоба», оставляющая впечатление легкости, изящества; «открытость», т е. красота пустот и отверстий в камне, открывавших его навстречу окружающему пространству. Свойства камня раскрывались полнее в зависимости от способа его установки в саду: группами или одиночно, в качестве дополнения к архитектуре, взаимодействуя с водой или составляя самостоятельный элемент композиции и имея самостоятельное эстетическое значение.

Самые необычные по форме камни (с пустотами внутри) обычно располагались в центре небольшого водоема. По представлениям китайцев, камень являл собой мужское начало ян, а вода - женское начало инь. Вместе они составляли схему Великого Предела, воплощая игру метаморфоз. Часто одиночные камни ставились «наоборот» - в опрокинутом виде, так что верхняя часть была шире и тяжелее нижней. Подобная «опрокинутая» тектоника камня представляла собой «преднебесное» состояние материи (в китайском понимании для того, чтобы выйти за грань форм и явлений поднебесного мира, необходимо было совершить скачок, увидеть все вещи как бы наоборот, в их зеркальном отражении).

Стоячий пруд перенасыщен энергией инь. Для равновесия можно добавить энергию ян сада камней. Это сочетание символизирует традиционную пару «горы и воды», которая играет важнейшую роль в китайской философии.

Правила построения сада камней:

♦ Использование нечетного числа камней.

♦ Закапывать камни в землю не менее трети высоты.

♦ Размещать камни в соответствии с направлением роста кристаллов.

♦ Рядом с выпуклой стороной вертикально ориентированного камня помещать плоский камень.

♦ Выстраивать «пяты» соседних камней в одну линию.

♦ Не помещать круглых камней рядом с зубчатыми.

♦ В качестве «лицевой» стороны камня выбирать ту, которая выглядит наиболее выветренной.

Роль воды в китайском саду.Вода - обязательный элемент китайского сада, она символизировала вечное движение, текучесть. Это символ вечности, представленный в системе китайского космоса как непрерывный поток бытия, в который втекают отдельные струи времени. Второй образ, неразрывно связанный с водой, это-зеркало мира, т.е. «воплощение покоя пустоты и неведомого двойника всех образов, хранимого игрой отражения». В связи с этим вода должна была быть представлена в саду в двух ипостасях: статичной (водная гладь прудов) и динамичной (водопады, искусственные потоки, ручьи). Стоячая вода обладает способностью накопления животворной энергии ци и передачи ее зрителю, струящаяся - считается мощнейшим проводником ци. Распространена практика разведения в воде пруда красных и черных рыбок, своим цветом символизирующих полярность начал инь и ян.

Вода всегда активно включалась в композиционное решение любого сада. Павильоны и беседки возводились с таким расчетом, чтобы их отражение в воде являло собой целостную композицию. Крыши павильонов строились так, чтобы дождевая вода низвергалась с них наподобие водопада. Вода благодаря своим эстетическим свойствам была открыта небесному пространству, создавая некий диалог с небесами. Небо, отражаясь в водной глади, обретало себе двойника, включаясь в игру превращений.

Также вода имела и практическое назначение: из водоемов брали воду для хозяйственных нужд, их использовали для прогулок на лодках, а также разводили в них декоративных рыбок, созерцание которых поднялось до уровня отдельного искусства, полезного для развития чувствительности.

С точки зрения фэн-шуй, вода была необходимым элементом перед входом в дом. Жилые дома в Китае старались располагать рядом с водоемом. Сад, который не был ограничен природными и иными факторами, мешающими правильной компоновке (по фен-шуй), представлял собой в этом смысле идеальную схему фэн-шуй. Сложная конфигурация изломанных линий мостиков и дорожек через водоемы эстетически была подчинена требованиям направления циркуляции энергетики ци, исходящей от воды.

Это характерно для множества приусадебных садов. Практически каждый сад содержит извилистые потоки и небольшие водоемы. Так, «извилистый поток, огибающий беседку и орошающий бамбук», который растет позади нее, являет собой классическую иллюстрацию геомантической (по фен-шуй) формулы. Суть ее сводится к тому, что «дурные веяния, вызванные прямыми линиями гор и водных потоков, а также утесами и глыбами, могут быть нейтрализованы» и что «лучшее средство сдержать и поглотить такие ядовитые испарения - это посадить деревья позади вашего жилища и иметь водоем или бассейн, постоянно наполненный свежей водой, перед ним». Извилистость водного потока также не случайна, поскольку «вода, бегущая по прямой линии или сворачивающая на своем пути под острым углом, абсолютно неприемлема. Извилистые течения - лучшие предзнаменования благоприятных веяний». 

Парковая композиция Китая строится с применением следующих принципов:

1) «инь» - действовать в зависимости от местных условий;

2) «цзе» - максимально использовать окружающую природу;

3) определять главное и второстепенное;

4) применять контраст;

5) в малом добиваться большого эффекта;

6) стремиться к достижению гармонии пропорций и последовательному раскрытию видов;

7) учитывать фактор времени при восприятии пейзажа.

Главный принцип ландшафтного решения - последовательность восприятия (инь). В соответствии с данным принципом сад выстраивается наподобие единой, непрерывной энергетической нити, к которой стекаются все каналы движения энергии ци. Внимание человека, идущего по саду, удерживалось тщательно продуманной сменой сюжетных композиций («кадр в кадре», когда в одном целостном пейзаже одновременно присутствовала часть другого, самостоятельного пейзажа). Например, виднеющаяся вдали пагода включалась в миниатюрный пейзаж, находящийся рядом со зрителем, как предмет, принадлежащий этому пейзажу, а не удаленный на значительное расстояние. Миниатюрные карликовые деревья выступали в роли древних исполинов, композиция камней одновременно была и горной грядой.

Согласно общепринятой формуле, сооружать сад следовало так, чтобы «за пределами вида имелся еще один вид». Для этого, прежде всего, требовалось обозначить границы видимого.

Здесь применялся принцип «экранирования», позволявший разбивать пейзаж сада на множество самостоятельных видов и создавать свои пространственные зоны даже на крохотной территории. В роли экрана могли выступать камни, архитектурные постройки, заросли.

Среди многообразия традиционных китайских садов можно выделить шесть их видов:

1) при императорских дворцах;

2) при императорских гробницах;

3) при храмах;

4) сады естественных пейзажей;

5) домашние сады;

6) сады ученых.

Архитектурные объекты садов при императорских дворцах отличаются крайней симметричностью, правильностью форм и четкой композицией. Бросается в глаза сознательно заданная регулярность его архитектурных объектов. Очевидно, что четко организованное пространство обладает гнетущим воздействием на психику человека. Сады при архитектурном комплексе в этом случае компенсировали подобное влияние, вовлекая посетителя в своего рода психологический диалог, некую игру. Они выполняют, таким образом, компенсаторную функцию, сглаживая влияние регулярности архитектуры. В садах абсолютно отсутствует заданность, предсказуемость, они выстраивались по принципу неожиданности явления, метаморфозы. Следует учитывать и то, что они были частью жилого пространства, связанного с бытом. В отличие от церемониальной ритуальности архитектуры дворцов и храмов сад представлял собой пространство для личной свободы и уединения, поддерживая психический баланс личности.

Частные сады, рассчитанные на то, чтобы подвести зрителя к сосредоточению на переживании своих внутренних эмоций. Частные сады миниатюрны и способны более лаконичными средствами выразить идею китайского сада. Здесь, как и в дворцовых ансамблях, геометрически правильно оформленная территория с четко ориентированной по сторонам света архитектурой и совершенно особым образом оформленное пространство природной среды. Попадая в природную среду сада, человек не мог предсказать, на какую композицию он выйдет. Китайский сад всегда строился по принципу неожиданно возникающего вида.

Анализируя описания садов и парков Китая, можно сделать вывод, что их пейзажи подразделялись на три основных вида:

1) устрашающий - создавался путем устройства искусственных холмов и утесов, нависающих над головой. Был слышен шум подземной реки, а вырванное с корнем дерево преграждало бурный поток. Устрашающий пейзаж сменялся смеющимся;

2) смеющийся - за поворотом дороги темные ели и туи, закрывающие солнце, расступались и открывали большую поляну, украшенную цветами. В любое время года здесь цвели какие-нибудь растения. От этого казалось, что весна как будто не покидает долину. Светлый и жизнерадостный пейзаж переполнялся контрастами;

3) идеалистический, или романтический - навевал легкую грусть. Основой данного пейзажа могли быть «островок с хижиной рыбака или ажурная пагода на скале, выгнутый мост и ветви плакучей ивы, склоненные к воде».

Знатоки садового искусства подчеркивали, что в устроении садовых ландшафтов «не существует установленных правил» и что их создатель на девять десятых - «господин вещей» и лишь на одну десятую - мастер, повинующийся законам своего ремесла. Доводя до совершенства небесные и земные образы, человек совершенствовал самого себя, выражая тем самым свою внутреннюю природу. Именно поэтому китайский сад - это постоянный диалог культурного и природного начал. В нем всегда, независимо от размера, заключена идея всеобщей космической взаимообусловленности. Человек чувствует себя в саду хозяином, он перерабатывает материал природы и, узнавая его, обретает знания о себе.

Гробница Тутанхамона в Долине царей

Гробница Тутанхамона в Долине царей

Долина Фараонов – это место, которое должен посетить каждый гость Египта. Именно там находятся знаменитые во всем мире гробницы древних правителей Египта – Тутанхамона и Нефертити. В день эти памятники посещает несколько тысяч человек, ведь пирамиды считаются символом Египта.

Пирамиды на протяжении многих веков притягивали к себе внимание путешественников, туристов, грабителей, и вот сейчас туристов.

Фараоны Древнего Египта сооружали себе гробницы ещё при жизни. Египтяне верили, что только если сохранить тело умершего, дух его сможет жить и после смерти. Для этого они мумифицировали тела: извлекали внутренние органы, заполняя полость солями и оборачивая тело льняными пеленами. Мумию хоронили вместе с драгоценностями, одеждой, едой и прочей утварью.

Гробницы фараонов помещались внутри пирамид, возвышающихся над всем на земле.

Первая пирамида достигала 60 метров и была построена фараону Джосеру. Она состояла из шести громадных ступеней, кверху пропорционально уменьшавшихся. Пирамида Джосера входила в комплекс площадью 1500 кв. метров, включавший в себя также огромное количество алтарей, храмов и гробниц родственников и вельмож царя.

Не только гробницей фараона были великие пирамиды – это были также и места захоронения величайших сокровищ, которые правители готовили для будущей загробной жизни.

Это-то и привлекало к пирамидам множество грабителей. Уже четыре тысячи лет назад появились специалисты по ограблению пирамид, имеющих отличную систему защиты и всевозможные ловушки и лабиринты, в которых навечно оставались многие из покушавшихся. Однако страсть к обогащению была выше страха смертельного наказания и чести упокоиться в гробнице самого фараона, многие проникновения были удачными. Поэтому до нашего времени и не дошло большинство из сокрытых в пирамидах сокровищ. Лишь некоторые гробницы остались нетронутыми до наших дней.

Гробница Тутанхамона

В 1922 году была открыта гробница Тутанхамона. Это была единственная гробница Долины Царей, найденная почти в первозданном виде.

Она была просто переполнена украшениями и золотом. Это и сыграло главную роль, что незначительный исторически фараон стал в наши дни одной из самых знаменитых фигур Древнего Египта. Даже археолог Говард Картер, открывший его гробницу, сказал, что «Единственным событием жизни Тутанхамона были его смерть и погребение».

В первой же комнате были кресла, покрытые искуснейшими мельчайшими вставками из самоцветов, золота, серебра и слоновой кости; кровати, обитые золотом; золотые колесницы, луки, перчатки для стрельбы и колчан со стрелами; великолепные ларцы с царской одеждой и украшениями; красивейшие каменные сосуды. Стояли и ящики с пищей, сосуды с давно высохшим вином.

В следующих комнатах также находились изумительные произведения древнеегипетского искусства.

Мумия фараона была обнаружена нетронутой и заключенной в три саркофага. Первый саркофаг был из позолоченного дерева, второй – также, но ещё с вкраплениями стеклянной блестящей массы, а третий – из цельного золота.

В высоту саркофаг достигает почти два метра, вес его – двести килограмм чистого золота.

Саркофаг Тутанхамона – шедевр мирового ювелирного искусства, инкрустированный бирюзой, ляпис-лазурью и сердоликом.

Посреди саркофага лежал маленький веночек сухих цветов – видимо, положенный супругой юного фараона.

Мумия Тутанхамона была извлечена из саркофага и детально обследована учеными-медиками, установившими, как фараон выглядел при жизни. Рост его был не более 168 сантиметров. Череп был широкий, с удлиненной макушкой и оттянутой назад затылочной частью, что свойственно всем членам его семьи. Во время смерти Тутанхамону было от 18 до 20 лет.

Рентгеновские снимки, полученные около тридцати лет назад, говорили о сенсации: у самого основания черепа фараона ясно просматривалось отверстие. Появились предположения, что Тутанхамон погиб от удара по голове. Но в 2005 году египетскими учеными была проведена компьютерная томография, опровергнувшая эти подозрения и доказывающая, что юный фараон скончался от осложненного инфекцией не излеченного перелома голени.

Недавно же итальянские ученые выдвинули третью гипотезу, предположив, что Тутанхамон умер от заражения крови, развившегося после полученной травмы колена от удара мечом.

Великолепен золотой трон Тутанхамона, сделанный из дерева, богато украшенного инкрустациями из камней, стекла, разноцветного фаянса и обшитый литым золотом. Ножки трона выполнены в форме львиных лап, ручки – свившиеся в кольцо крылатые змеи.

Сзади спинки трона изображен рельеф водяных птиц и папирусов. А спереди находится инкрустированное изображение фараона и жены его.

В настоящее время сокровища Тутанхамона, найденные в его гробнице, выставлены в Каире в Египетском музее. Площадь, которую они занимают, равна футбольному полю и состоит из десяти залов.

Проклятие гробниц

Еще в 19 веке, при расшифровке древнеегипетских текстов, европейцам стало известно о том, что древние египтяне накладывали специальные заклятья на гробницы. Вспомнили об этом только после открытия гробницы Тутанхамона...

У дверей царской усыпальницы стояли две статуи черных стражей с позолоченными головами. По всем признакам, в гробнице уже кто-то был, сокровища были переворошены, но, вероятно, ничего так и не унесено за пределы пирамиды. Что случилось с грабителями, и грабители ли тут были, остается загадкой, ведь прошла с этого проникновения ни одна тысяча лет.

После вскрытия гробницы Картером произошла серия смертей. Спустя всего несколько месяцев умирает один из руководителей поисков гробницы – Карнарвон. За ним на тот свет отправляются его брат, друзья, сиделка. Двадцать одна жертва связывается именно с проклятием гробницы Тутанхамона.

В конце 50-х годов было выдвинуто предположение, что причиной этих смертей явился вирус гистоплазмозис, находившийся в помете летучих мышей, которым не составило бы проблемы проникать внутрь гробницы через проломы, оставленные древними грабителями. Но это предположение отвергли, так как первый лаз многовековой давности, примерно в то же время был и засыпан.

Были известны и более ранние случаи мести фараонов.

• Врач Ост-Индской компании, похитил в Фивах в 1805 году две мумии. Сошел с ума через год.
• Швед Ф.Лидман, во время путешествий по Египту, собрал большую коллекцию награбленных из гробниц предметов. Коллекция сгорела перед отправкой домой.
• Русский исследователь В.П.Красовский участвовал в раскопках пирамиды. Все египетские рабочие, помогавшие ему, умерли. Погиб в автомобильной катастрофе его коллега англичанин Кокрофт. А сам Красовский умер в 1914 году, описывая перед смертью, как его мучила «душа» оскверненной им пирамиды.
  Предположения по смерти Красовского и рабочих были следующими: лучевая болезнь, развившаяся из-за того, что пирамида оказалась, сложена из радиоактивного гранита. Возможно, автокатастрофа Кокрофта просто опередила его неминуемую близкую смерть от лучевой болезни.
• Последней известной жертвой «проклятия фараонов» считается египетский археолог М.З.Гонейм, который в 1952-54 годах вскрыл и исследовал пирамиду фараона Сехемхета, наследника и сына Джосера - первого строителя пирамид. При расчистке подземного хода обвалился один из каменных блоков потолка, похоронив под собой рабочего. А 19957 году и сам Гонейм трагически погиб.

А сколько неизвестных нам случаев, произошедших с обычными грабителями, проникающими в гробницы на свой страх и риск!

Можно все эти несчастья считать фантастическими совпадениями.

Но из поколения в поколение передаются правила о святости мест захоронения. А в странах Востока любое богатое захоронение защищали от осквернения особенно…

Современные реалии древнеегипетских гробниц

Кто не желает соприкоснуться с многовековой историей! Но сами экспонаты подвергаются опасности разрушения. Дыхание огромного количества народа наряду с плохой вентиляцией становится причиной повреждения бесценных фресок, украшений и декора в гробницах. Влажности и грибок постепенно разъедают и сами стены усыпальниц.

Действующее управление по делам древностей Египта хоть с большим опозданием, но начинает устанавливать новые вентиляционные системы. Ограничивается время посещения пирамид. Некоторые гробницы закрыты от экскурсий. Эти вынужденные меры должны привести к улучшению состояния и микроклимата усыпальниц.

Нет никакой необходимости осматривать гробницы одну за другой – они очень похожи как по архитектуре, так и по оформлению.

Закрыта для посетителей Великая пирамида Хеопса в Гизах, а также гробница Нефертари, жены Рамсеса II, знаменитая роскошными по красоте настенными расписями, и некоторые другие памятники.

Недавно открыта после реставрации гробница Хоремхеба, выстроенная в египетской Долине царей. Высокая влажность и температура угрожали бесценным фрескам гробницы и потребовали соответствующих мер по защите.